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主要内容

什么是艺术史以及它的发展方向?

作者罗伯特·格拉斯博士
艺术史看上去似乎是一个比较直截了当的概念:“艺术“ 和 “历史” 是我们大多数人在小学首先学习的科目。然而,在实践中,”艺术史“ 的概念引发了复杂的问题。究竟艺术指的是什么,我们应该探索什么样的历史?让我们进一步思考每个术语。
Peter Paul Rubens, Rebens为巴黎卢森堡宫 (今日的巴黎卢浮宫)的美第奇美术馆绘制的24幅作品中的3幅画作,1621-25,帆布油画。从左到右: 玛丽 德 美第奇肖像图,玛丽·德·美第奇与国王亨利四世代理婚礼,玛丽·德·美第奇到达马赛 (或在马赛下船) (摄影: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

艺术与艺术作品

“艺术” art 一词取自拉丁语 ars,原意是“技能”或“工艺”。这些意思仍然是其他源自 ars 的其他英语单词中的主要意思,如“artifact“(工艺品,藉由人工技巧制作成的事物)和 “artisan” (工匠,擅长制作物品的人)。然而,“艺术”和“艺术家”的含义并不是那么直接。我们理解的艺术不仅仅是一种技术精湛的工艺。艺术品 art 与人工制品 artifact 之间、艺术家 artist 与工匠 artisan 之间的区别究竟在哪里?
当问到这个问题时,学生们一般会提出几种想法,其中一个是美观。许多艺术都在视觉上令人瞩目,在18,19世纪和20世纪初,美学品质分析的确是艺术史上的核心课题。在此期间,模仿古希腊艺术和罗马艺术(经典古代艺术)的艺术被认为是永恒的完美。艺术史学家侧重于所谓美术—绘画、雕塑和建筑—分析其形式的美德。然而,在过去一个半世纪里,艺术和艺术史都发生了巨大变化。
左:Lysippos, Apoxyomenos (Scraper)(刮刀)。铸成铜像后的罗马复制品。约公元前330年,高6′9''(梵蒂冈博物馆); 右:基奇·史密斯(Kiki Smith),《Untitled 无题》,1990年,男性形象,198.1×181.6×54厘米,金属架子上的蜂蜡和微晶蜡像(惠特尼美国艺术博物馆)
艺术家放弃经典传统,接受新的媒体和美学观点;艺术史学家将他们的注意力从分析艺术的形式上的美观转向解释艺术的文化含义。今天,我们把美丽理解为主观—一种随着时间和空间而变化的文化结构。虽然大多数艺术仍然主要是视觉艺术,视觉分析也仍然是艺术史学家们使用的基本工具,美丽本身不再被视为艺术的必须属性。
对艺术有何突出之处这一问题的第二个常规回答强调了原创、创造力和想象力。这反映了现代对艺术的理解,认为这是艺术家智慧的一种表现。然而,这种想法在五百年前就源于欧洲复兴事情,无法直接适用于艺术史学家的许多的研究工作。例如,就古埃及艺术或拜占庭画像而言,保存传统比创新更有价值。虽然聪明才智在艺术史上肯定很重要,但它不是艺术史学家们研究的作品的普遍属性。
所有这一切可能让人们得出这样的结论:艺术的定义,同美观一样,是主观且不稳定的。解决这种困境的一个办法是,建议艺术主要由其视觉媒介来区分,即它吸引观众的能力。工艺品可能也很有意思,但我认为,艺术有可能在情感、智力或其他方面感动我们。它可以通过其视觉特征(规模、构成、颜色等),观念的表达,工艺技巧,独创性,稀有性,或前述这些或其他品质的某种组合来做到这一点。艺术活动的方式多种多样,但在某种程度上,艺术使我们超越日常和普通的体验。最大的例子证明了人类的野心、技能、想象力、感知和感情的极端。因此,艺术促使我们思考人性的基本方面。任何工艺品,作为人类技能的产物,也可以使人们深入了解人类的状况。但是,艺术在超越常规的情况下有可能以更深刻的方式达成这样的成效。因此,也许最好将艺术理解为一种特殊的工艺品分类,特殊之处在于它通过视觉体验使我们进行感受和思考的能力。
科亚特利库埃女神,公园前1500年,墨西哥 (阿兹台克),发现于墨西哥市市长广场东南侧,玄武岩,257 厘米高 (人类学国家博物馆,墨西哥市 (摄影: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

历史: 回顾过去

就像对艺术和美的定义一样,人们对历史的看法也随着时间而改变。书写历史似乎应该是直截了当的——都是基于事实,不是吗?从理论上讲,是的,但是从过去存留下来的证据是巨大的,零碎的,混乱的。历史学家必须做出决定,包括什么,排除什么,如何组织材料,以及对材料说些什么。在这样做的过程中,他们创造了一种叙事,以一种在当下有意义的方式来解释过去。不可避免地,随着现在的变化,这些叙述被更新、重写,或者完全被抛弃,取而代之的是新的叙述。因此,所有的历史都是主观的——就像它所记载的时间和地点的产物一样,就像它所解释的来自过去的证据一样。
艺术史学科在欧洲殖民时期(大约15世纪到20世纪中期)得到发展。早期的艺术历史学家强调欧洲的传统,庆祝其希腊和罗马的起源和学术艺术的理想。到20世纪中期,一个关于“西方艺术”的标准叙述被建立起来,追溯其发展从史前、古代和中世纪的地中海到现代的欧洲和美国。来自世界其他地方的艺术,被称为“非西方艺术”,通常只受到轻微的对待及重视,而且是从殖民主义的角度。
20世纪发生的巨大的社会文化变化促使艺术史学家修正了这些叙述。曾经只以白人男性为特征的西方艺术的描述被修改为包括有色人种和女性艺术家。传统上对绘画、雕塑和建筑的关注被扩大到包括所谓的次要艺术,如陶瓷和纺织品,以及当代媒体,如录像和表演艺术。近年来,人们对非西方艺术的兴趣急剧上升。
母后吊坠式面具 (Iyoba), 16世纪,爱多人,本宁皇族,奈及利亚,象牙,铁,铜,23.8 x 12.7 x 8.3 厘米 (大都会艺术博物馆, 纽约) (摄影: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)
今天,艺术史面临的最大社会发展是全球化。随着我们的世界变得越来越相互联系,熟悉不同的文化和适应多样性是至关重要的。艺术史,作为来自广泛文化的杰出文物的故事,在这些技能的发展中发挥了作用。现在,艺术历史学家们正在思考和辩论,如何将这门学科的欧洲知识起源及其有问题的殖民主义遗产与当代多元文化主义协调起来,以及如何在一个全球化的时代书写艺术史。
Smarthistory的视频和文章反映了这段艺术史。由于这个网站最初是为了支持西方艺术和历史课程而创建的,内容最初集中在西方经典的最著名的作品上。随着这一传统的关键时期和文明的充分体现和越来越多的学者的贡献,近年来,对象和主题的范围有所增加。最重要的是,对西方以外的世界传统的大量报道被增加了。随着场地的不断扩大,所呈现的作品和视角将会随着艺术史的当代趋势而发展。事实上,作为利用数字媒体和互联网创造、传播和质疑艺术历史知识的创新者,Smarthistory及其用户有潜力帮助塑造这门学科的未来。

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